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“You got to get lost before you get found” (Devi perderti prima di ritrovarti)
Con questo verso del brano Use It si conclude l’album The Spoon (2022) di Oscar Jerome. The Spoon ruota attorno all’idea che abbiamo di noi stessi e di come ci vedono gli altri – letteralmente come veniamo riflessi (distorti, come su un cucchiaio).
Il nuovo album The Fork – uscito oggi – in uno dei primi versi del brano Desert Belly esplicita subito l’evoluzione del pensiero di Jerome: “It’s time to plant my seeds and watch the flowers grow” (È tempo di piantare i miei semi e guardare i fiori crescere). L’introspezione un po’ caotica di The Spoon lascia spazio a una maggiore consapevolezza di Jerome, che in The Fork invita a prendere la strada meno battuta e a lasciarsi sorprendere da dove ci porta.
Oscar Jerome sarà in tour in Italia il 14 maggio a Milano. In attesa del concerto abbiamo parlato con lui dell’album, di cosa lo ispiri, dell’ansia pre-tour, Berlino e Leicester.
Sono passati tre anni dal tuo ultimo disco The Spoon. Cosa possiamo aspettarci da questo nuovo album? Cosa è cambiato?
Stilisticamente, questo album è molto più prodotto. È il primo progetto che ho prodotto praticamente da solo. Ci sono molti più stacchi di batteria e batterie programmate. C’è ancora un forte accento sulla chitarra, ma è una sorta di beat e chitarra, che ne esplora un po’ di più i toni rocciosi. Sono sempre stato appassionato di hip hop, R&B e altro, quindi questa influenza si è fatta sentire.
È più che altro un’esplorazione del punto in cui mi trovo nella mia vita e dei pensieri che ho avuto nell’ultimo anno o giù di lì.
The Spoon era più incentrato sul vedere noi stessi attraverso gli altri e il tema dello specchio è molto presente. In che modo The Fork è un’evoluzione di questo, già a partire dal nome, immagino che ci sia una rottura?
Per The Fork la metafora ricorrente è il bivio (the fork in the road). Si tratta di prendere la via meno battuta, di non aver paura di imboccare una nuova strada e di esplorare, di fare domande e di essere aperti a dove ci porteranno. Prendere la strada più comoda spesso non ti porterà da nessuna parte. Si tratta di una crescita, di un avanzamento spirituale, personale e mentale.
The Spoon lo avevi registrato a Berlino?
La maggior parte, sì. Ho scritto molto a Berlino e ho registrato parte del disco a Berlino e parte a Londra. In questo caso, molto è stato fatto a Londra e a Leicester, casualmente.
E ritieni che la città in cui ti trovi influenzi in qualche modo il processo?
Sì, sicuramente. Credo che il mio ambiente influenzi sempre la mia scrittura e la mia produzione – in termini di chi sarà nei paraggi per suonare sul materiale, o anche solo per le sensazioni e lo stato d’animo. Sono sempre ispirato dai viaggi. Mi sembra di scrivere sempre nuovo materiale quando vado in posti nuovi e faccio nuove esperienze.
Quindi Leicester, in questo caso.
Sì, sì. Leicester era più che altro perché molti del team di produzione con cui lavoro per il mio materiale dal vivo hanno sede a Leicester. E, sai, Londra è fantastica, perché ci sono così tanti musicisti straordinari e così tante opportunità, ma a volte c’è un po’ troppo da fare. A volte ho bisogno di isolarmi e di dedicarmi alle mie cose. Così ho affittato uno studio lì e mi sono detto che sarei rimasto qui per una settimana e che non avrei avuto nient’altro da fare se non scrivere e cercare di lavorare sulla mia produzione usando Ableton e altro. È stato davvero utile non avere quelle distrazioni.
Questa era in parte la mia prossima domanda, perché ovviamente si parla molto della scena Jazz londinese, di cui tu fai parte. Essere parte di una scena, quanto è una fonte di ispirazione o a un certo punto diventa troppo?
È fantastico perché tutti suoniamo sui brani degli altri. Stiamo tutti collaborando l’uno con l’altro, è fantastico in questo senso. È molto stimolante. Ma a volte ci sono molte cose da fare e molti eventi a cui partecipare. Ogni tanto è bello potersi allontanare da tutto questo, perché sento che quello che sto facendo è un po’ diverso da quello di molti miei coetanei, sto scrivendo più testi e per questo ho bisogno di passare dei periodi di tempo da solo e di entrare nei miei pensieri.
Ne hai parlato prima: questo è il tuo primo album prevalentemente autoprodotto. Da dove nasce questa scelta? È stata una necessità o solo una naturale evoluzione?
Ho sempre prodotto musica fin da quando ero bambino. Non sapevo come si chiamasse, ma da bambino facevo beat con Cubase e altro, e suonavo la batteria con una tastiera Casio. Ho ancora le registrazioni che ho fatto quando avevo tredici anni. Ho sempre fatto demo su Logic. Ora uso Ableton, ma ho sempre fatto delle demo e le ho portate alla band, poi ci abbiamo lavorato insieme e abbiamo registrato. Poi mi facevo aiutare da qualcun altro a produrre, oppure lavoravo con un altro produttore. Credo di aver avuto una sorta di sindrome dell’impostore con la produzione, sentendomi come se non ne sapessi abbastanza.
Poi Benny Giles, che ha mixato e prodotto The Spoon, stava parlando del nostro processo con quell’album e del fatto che secondo lui le demo che gli avevo portato fossero davvero belle e che aveva la sensazione che forse qualcosa si fosse perso un po’ quando ci abbiamo lavorato poi insieme. Mi ha incoraggiato a espandere quelle demo per il prossimo progetto e a farle mixare a lui. Sono stato molto contento che l’abbia fatto. Mi ha dato l’iniezione di fiducia di cui avevo bisogno. Ha reso la musica molto più simile a come l’avevo immaginata in origine. C’è sempre un compromesso quando si lavora con altre persone, vogliono metterci del loro e non è detto che sentano completamente quello che senti tu. Quindi, è stato bello.
Ma allo stesso modo, amo la collaborazione e in questo progetto c’è ancora una buona dose di collaborazione. Non sono il tipo che vuole stare sempre da solo in studio. Mi piace stare in mezzo alla gente.
L’hai accennato poco fa, ma cosa ti ha ispirato per questo album e, in generale, cosa ti ispira o chi ti ispira?
Ci sono state alcune persone che sono entrate nella mia vita negli ultimi due anni e che mi hanno aperto gli occhi su un modo diverso di vedere le cose.
Aspetta – ho scritto qualcosa su questo argomento. È un po’ difficile per me parlarne. È una cosa strana, perché quando accadono cose nella tua vita ed è abbastanza personale, vuoi scriverci della musica. Ma poi, allo stesso tempo, ti senti timido a parlarne in pubblico, anche se hai già fatto della musica a riguardo. È strano. Fondamentalmente, questo ultimo paio d’anni è stato per me una sorta di viaggio spirituale. Mi sono decisamente aperto all’argomento. Credo di essere cresciuto con molta paura di quel termine.
Negli ultimi tempi, credo di aver aperto la mia mente a una visione leggermente diversa del mondo. Questo ha comportato delle sfide, ma ho avuto degli insegnanti straordinari e per me è stato un modo per mettere in discussione le cose. Ho imparato a mettere in discussione la mia realtà in modo molto più profondo e ad aprirmi di più alle possibilità. Questo è il tipo di messaggio che sto cercando di trasmettere: non avere paura, essere aperti a cambiare completamente il proprio punto di vista sulle cose, essere consapevoli della propria ignoranza ma anche del proprio potenziale. Scusa, sono stato così vago.
Niente affatto – ha senso. C’è un mood specifico a cui stai puntando con questo album?
Questo progetto ha sicuramente un’atmosfera molto più radicata rispetto a The Spoon. Credo che The Spoon fosse molto più frenetico, c’era più dolore. In questo disco voglio trasmettere una sensazione di apertura. Ci sono molti punti che tocco anche a proposito della cultura individualista, come nelle canzoni The Fork e Smell the Daisies e di come questo abbia influenzato la nostra capacità di provare empatia. Voglio incoraggiare il sentimento di empatia, sia verso l’esterno che verso se stessi.
Ascoltando l’album effettivamente questo si percepisce, confermo. Ora possiamo parlare di cose più divertenti. Cosa stai ascoltando in questo momento?
In questo periodo sto ascoltando molto Heitor Villa Lobos. Sto sentendo anche il nuovo disco di Allysha Joy, The Making of Silk, che è bellissimo. Nell’album suono un po’ di chitarra, ma non abbastanza da dire che mi sto ascoltando da solo. Sto ascoltando anche Father’s Children, è un po’ soul, un po’ funky, un po’ come le cose degli anni Settanta. Ascolto sempre John Martyn, è uno dei miei preferiti di sempre. Di recente ho riascoltato molto Stevie Wonder, come Songs in the Key of Life. Ultimamente mi ha calmato molto.
Ma durante le settimane, i mesi, che stai registrando un album, qual è il tuo rapporto con la musica che ascolti? Ti preoccupi che quello che ascolti potrebbe influenzarti?
Cerco di non pensarci. Ascolto quello che voglio ascoltare, spesso poi trova la sua strada nella mia musica in qualche modo, ma non sono mai stato uno che imita quello che ascolta. Mi è sempre piaciuto mescolare le cose insieme. Mi è sempre venuto molto naturale. Per me fare musica si basa solo su un sentimento, quindi cerco di fare quello che sento. Se ho voglia di ascoltare qualcosa perché sono in quello stato d’animo, lo ascolto. Conosco alcune persone che dicono: “Oh, non posso ascoltarlo. Non voglio fare qualcosa che suoni così!”. Per quanto mi riguarda, se sto cercando di pensare alla produzione e, per esempio, di lavorare sulla batteria, potrei ascoltare qualcosa con una bella produzione di batteria, per entrare in quello stato d’animo. Si può prendere spunto da qualsiasi cosa.
E credo sia divertente se alla fine si insinua in modi che non ti aspetteresti?
Sì, esattamente. Non voglio pensarci consapevolmente. Penso che avere un’idea di quello che farai prima di farlo, non sia un buon modo di procedere. Penso che sia meglio sentirlo e basta. Non si può partire dicendo che oggi si farai un pezzo reggae, per esempio. Con me non funziona. Mi viene da dire: “Ehi, ho ascoltato queste batterie reggae. E poi forse voglio aggiungere questa, non so, parte di chitarra folk. E poi, non so, qualche synth funky o altro?”.
Stai per iniziare il tuo tour. Qual è il suo rapporto con il tour?
Ho ansia prima di andare in tour. Quando poi lo facciamo davvero però, quando suoniamo, mi piace molto.
Quindi ora sei nella fase dell’ansia.
Haha, no dai, è più tutta la pianificazione. Mi chiedo se andrà tutto bene. Quando però ti trovi là fuori, a suonare e a condividere un momento con la gente, a vedere che la gente ha amato la tua musica dappertutto, questo mi fa capire che quello che faccio tocca davvero le persone. È così facile guardare solo i numeri su Spotify. Pensare “Oh sì, 100 persone a Tokyo hanno ascoltato la mia canzone oggi! Che figata”. Ma quando sei davvero lì e vedi quelle persone, che amano e conoscono le parole delle tue canzoni, è una sensazione incredibile.
Scomodo ha degli spazi a Roma e a Milano dove ospitiamo molti eventi per artisti più piccoli. Hai qualche consiglio da dare a un artista minore che sta iniziando? Sia dal punto di vista psicologico che pratico, qualsiasi cosa ti venga in mente.
Credo che la cosa più importante sia assicurarsi di concentrarsi sulla parte che ci piace.
Credo che al giorno d’oggi ci si aspetti che siamo anche promotori di noi stessi, non solo artisti. Questo può causare molte difficoltà e stress. Facendo questo lavoro da più tempo, mi sono reso conto che l’unico modo per renderlo sostenibile è concentrarlo sulle parti di ciò che faccio che mi piacciono.
Quindi, se mi concentro sul suonare, è molto più facile. Inoltre, non mi sembra di dover fare un sacco di cose che non mi piacciono. In qualsiasi lavoro ci saranno parti che non ti piacciono, questo è un dato di fatto che devi accettare. Tuttavia, bisogna anche essere chiari su quali sono i vostri limiti. Bisogna ricordare a se stessi il motivo per cui si è intrapreso questa carriera. Quando si trasforma in un lavoro, è facile dimenticarlo. La musica è qualcosa di molto più profondo che fare numeri e sembrare fighi, è una parte profonda dell’essere umano. Credo che ci si debba concentrare su questo aspetto. E se lo fai davvero, la gente lo sente. Se cerchi di fingere di essere qualcosa che non sei, la gente sente anche questo.
🇬🇧 Stop and Smell the Daisies – Taking the road less traveled with Oscar Jerome
“You got to get lost before you get found.”
These are the last words of the song Use It, which end Oscar Jerome’s album The Spoon (2022). In The Spoon Jerome meditated on how we present ourselves to others and how they see us, literally how we are reflected (distorted, as on a spoon). His new album The Fork begins with the track Desert Belly that quickly shows us how Jerome’s message has evolved through the verse “It’s time to plant my seeds and watch the flowers grow”. The somewhat chaotic introspection in The Spoon gives way to a greater awareness of Jerome, who with The Fork wants to invite us to take the unknown path and be open to where it might take us.
The Fork is out today on all major platforms. Oscar Jerome will be playing in Italy on May 14 in Milan. We spoke with him about The Fork, what inspires him, pre-tour anxiety, Berlin and Leicester, and more.
It’s been three years since your last album. What, what can we expect from this new album? What has changed since then?
Stylistically, this album is much more produced. This is the first project that I’ve produced pretty much all myself. There’s a lot more drum breaks and programme drums, but then there’s still quite a heavy focus on the guitar, but it’s kind of like beats and guitar, exploring a bit more of a rocky kind of guitar tones. And I’ve always really been into kind of hip hop and R&B and stuff, so that influence has definitely come in.
It’s more of an exploration into where I’ve been at in my life and thoughts I’ve been having over the last year or so.
The Spoon was more about seeing ourselves through others and the theme of reflection is very present. How is The Fork an evolution of that, even starting from the name, I guess there is a breaking?
So for The Fork, the running metaphor is the fork in the road. So it’s kind of about taking the unknown path and not being afraid to take a new road and explore, not being afraid to ask questions and being open to where they will lead, because taking the path that is most comfortable often won’t really lead you anywhere new.
It’s about that growth, moving forward in a spiritual, personal, and mental way.
And you recorded The Spoon in Berlin, right?
A lot of it. I wrote a lot of it in Berlin and I recorded some of it in Berlin, some of it in London.
This one, a lot of it was in London and in Leicester, randomly.
And do you feel like the city you’re in influences in any way the process?
Yeah, definitely. I think my environment always influences my writing and my production. And, you know, in terms of who will be around to play on the stuff, or also just the feeling and the mood. I’m always inspired by travelling. I always seem to write new material when I go to new places and experience new things.
So Leicester, in this case.
Haha, yeah. Leicester was more because a lot of the production team that I work with for my live stuff are based in Leicester. And, you know, London is great, because there’s so much, so many amazing musicians and so many opportunities – but sometimes there can be a bit too much going on. Sometimes I need to just kind of isolate myself and just really get on with things. So I just rented out a studio there, and just said I’m gonna be here for a week and had nothing else to do other than write and try and work on my production using Ableton and stuff. It was really helpful just to not have those distractions.
That was actually my next question, because there’s obviously a lot of talk about the London jazz scene, which of course you’re a part of. Being part of a scene, to what extent is that inspiring or does it get too much?
It’s great because we all play on each other’s music. We’re all doing, all collaborating with each other and doing different things, I’m playing on other artists’ records that are coming out. It’s great in that sense. It’s very inspiring. But sometimes there is a lot going on and a lot of events to go to. And sometimes it’s nice to just be able to remove yourself from that because I feel like what I’m doing is a bit different to quite a lot of my peers, I’m doing more songwriting.For me with that I do need to spend periods of time alone and get into my thoughts.
You touched on this earlier – this is your first mostly self-produced album. Where did this choice come from? Did it feel like a necessity or just an evolution of what you were doing?
I’ve always produced music ever since I was a kid. I didn’t know that’s what it was called, but I used to make beats on like Cubase when I was a kid and stuff, and play the drums on a Casio keyboard. I’ve still got recordings that I did when I was like 13. I always made demos on Logic. Now I use Ableton, but I always made demos and would bring them to the band and then we’d work on it together and then we’d record. Then I’d get someone else to help me produce, or I’d just work alongside another producer. I think I had some kind of imposter syndrome with production, feeling like maybe I didn’t know enough or whatever.
Then Benny Giles, who produced and mixed The Spoon, was talking about our process with that album and he was saying how he thought the demos that I brought to him were really cool and that he had a feeling that maybe something was being lost a little bit when we worked on it together. He encouraged me to expand those demos for this next project and then get him to just mix it. I was really glad he did. It kind of gave me the confidence boost I needed.
It made the music a lot more how I had imagined it originally. There’s always a compromise working with other people, they want to put in their own thing and they’re not necessarily going to completely hear what you’re hearing. So, that was nice.
But equally also, I do love collaboration and there is still a fair amount of collaboration in this project. I’m not the type to want to just be on my own in the studio all the time. I like being around people.
So you said this a little bit earlier, but what inspired you for this album and, in general, what inspires you or who?
There’s been certain people that have come into my life in the last couple of years that have definitely opened my eyes to a different way of seeing things.
Wait – I wrote something about this.It’s kind of difficult for me to talk about. It’s a weird one because when things happen in your life and it’s quite personal, you want to write music about it. But then at the same time, you kind of feel shy to talk about it in public, even though you’ve kind of already made music about it. It’s weird. Basically, it’s been somewhat of a spiritual journey for me this last couple of years. I have definitely opened up to it. I think I grew up very afraid of that term. Maybe I was scared of being too sincere, it just had to do with my upbringing.
I think in recent times, I’ve opened my mind to having a slightly different outlook in the world. That came with its own challenges, but I’ve had some amazing teachers, and it’s been a way for me to question stuff.
I’ve learned to question my reality a lot more deeply, and be a lot more open to what the possibilities could be, I think. And that’s the kind of message that I’m trying to put across with this: not to be afraid, to be open to completely changing your views on things, being aware of your ignorance, and your potential too. Sorry, I’m being so vague.
Not at all – that makes sense. So is there like a specific mood that you’re aiming for with this album?
There’s definitely a much more grounded feeling to this project than The Spoon.
I think The Spoon felt a lot more frantic, there was more pain there. This one, I want to put across a feeling of openness. There’s a lot of things I also touch on stuff to do with individualistic culture, like in the songs The Fork and Smell the Daisies, which just came out, and how that kind of affected our ability to feel empathy. I want to encourage the feeling of empathy, both outwardly and also to oneself.
I’ve listened to the album and I think it comes across, it does the job.
Now we can talk about more fun stuff. What are you listening to right now?
I listen to a lot of music. Right now, I’ve been listening to a lot of Villa Lobos. I’ve also been listening to Allysha Joy’’s new record, The Making of Silk, which is beautiful. I play a little bit of guitar on that, but not enough for me to be just listening to myself. I’ve been listening to Father’s Children. It’s kind of soulful, kind of funky, kind of like stuff from the 70s. I mean, I’m always listening to John Martyn. He’s one of my all-time favourites.
I’ve been revisiting a lot of Stevie Wonder recently, just like Songs in the Key of Life. That’s been very calming to me recently.
But when, during the weeks, months, whatever, when you’re recording an album, what is your relationship with the music you listen to?Do you need to constantly think like, oh, this might influence me, so I should or should not listen to that, can it be confusing?
I try not to think about it like that. I just listen to what I want to listen to, and it often does creep in, it finds its way into the music somehow, often. But I’ve never really been someone that imitates what I hear. I always like to sort of just mix things together. It’s always come very naturally to me. For me, making music is just based on a feeling. So I just try and do what I feel. If I feel like listening to something because I’m in that mood, I listen to it. I know some people that are like: “Oh, I can’t listen to this. I don’t want to make something that sounds like that!” For me, I guess if I’m trying to think about production and, for example, working on drums, I might listen to stuff with some cool drum production, to get me in that headspace. You can take influence from anything – it’s just all the same sort of physics at the end of the day.
And I guess it’s fun if it creeps in, in ways that you wouldn’t expect.
Yeah, exactly. I don’t want to think of it consciously. I think having an idea of what you’re going to make, before you make it, it’s not a good way to go. I think it’s better to just kind of feel it out. You can’t go in saying that you’re going to make a reggae banger today. For me, it just doesn’t work.
I’m just like: “Hey, I’ve been listening to these reggae drums. And then maybe I want to add this, I don’t know, folk guitar part over the top. And then, I don’t know, some funky synths, or whatever?”.
You’re about to start your tour. What’s your relationship with touring? Is it something you look forward to?
It gives me anxiety before I actually go on tour. When we’re actually doing it, when we’re playing the shows, I really enjoy it.
So now you’re in the anxiety phase.
Haha, no, it’s just more all of the planning and everything. I’m just wondering if it’s all going to work out. When you actually get out there though, playing and sharing a moment with people, seeing that people have loved it all over the place – that really makes me realise that my music is actually touching people. It’s so easy to just look at the numbers on Spotify. Thinking “Oh yeah, 100 people in Tokyo listened to my song today! That’s cool”. When you’re actually there though, seeing those people, that they’re loving it and know the words to your songs, that’s such an amazing feeling. I feel like I’ve really touched someone.
I had no idea that it’d been so important to them. So I really enjoy that.
Scomodo has amazing spaces in Rome and Milan where we host loads of events for smaller artists. So do you have any advice for a smaller artist that is just starting out? Both like psychologically or practical, whatever comes to mind.
I think the most important thing is just to make sure you are focussing on the part of it that you enjoy.
I think nowadays we’re expected to also be promo for ourselves, not just be an artist. That can cause a lot of difficulty and stress. I think as I’ve done this for longer, I’ve realised the only way that that is sustainable is if I focus it around the parts of what I do that I enjoy.
So if I focus it around my playing, that makes it a lot easier. Also, to not feel like you have to do loads of stuff you don’t. In any job there are going to be parts of it you don’t enjoy, that’s a given you need to accept. However, you have to also be clear with yourself on what your boundaries are. You have to keep reminding yourself why you got into it in the first place. When you turn it into a business, it’s easy to forget that. Music is something way deeper than just doing numbers and looking cool, it’s a deep part of being a human. I think you have to focus on holding on to that. And if you really, really do that, people feel that.
If you’re trying to pretend to be something that you’re not, people also feel that.